Póster japonés del estreno de «El juez

Póster japonés del estreno de «El juez de la horca» (The Life and Times of Judge Roy Bean,1971) #PaulNewman #JohnHuston #AvaGardner #movieposter http://ow.ly/m3ef50uYQaw

Póster japonés del estreno de «El juez

Póster japonés del estreno de «El juez de la horca» (The Life and Times of Judge Roy Bean,1971) #PaulNewman #JohnHuston #AvaGardner #movieposter http://ow.ly/m3ef50uYQaw

Black Cinema. De la exclusión al orgullo.

Conocemos muchas cosas acerca del cine. Sus géneros, sus artistas y estrellas y mucho de lo que ha hecho del séptimo arte por la cultura y el entretenimiento. Pero para el gran público quedan aún aspectos desconocidos. Y  como en el caso que presentamos hoy no de poca importancia. O acaso, ¿saben que durante años en el país que llevó al cine a la cima artística y de popularidad, excluyó desde el principio a los negros?. Todos tenemos referencias que desde el propio cine fue el arduo camino que desde la esclavitud hasta el logro de los derechos civiles, ha recorrido la población afroamericana.

Cuando uno empieza a adentrarse en el llamado cinema separate, hay que ampliar la mirada y saber que antes de que las salas de cine se extendiesen por toda norteamérica, ya se realizaban separaciones racistas en espectáculos musicales y  de variedades. En el caso de la música desde los guetos de New Orleans y de otras ciudades sureñas, se comenzó a crear recintos donde los negros desarrollaban «sus musicas»  con sus repertorios y con su audiencia únicamente negra. El mismo formato se repitió en el cine. Esto es  menos conocido, desde sesiones solo para negros hasta cines solo para ellos. Pero lo que no hubiera pasado de otro ejemplo de racismo puntual desarrollo un espacio creativo que desde la separación racial fue el germen de un cine realizado solo por negros. Si en el jazz y en el blues parece asimilada la mayoritaria identificación. ¿Se imaginan películas del oeste solo de negros? o ¿dibujos animados de negros?, pues el sin sentido del racismo llevo a estos disparates, y  durante años se adopto con toda naturalidad, eran los años de consentimiento.

La industria vio su viabilidad y desarrollo un cine paralelo, ni siquiera se puede decir que fuese un género, existían su propias  estrellas, todo duplicado como si los temas de inspiración fueran percibidos originalmente de manera diferente.

Se realizaban cintas de temas triviales, o  argumentos concretos, pero con protagonistas negros, como un Robinson Crusoe negro. La industria dominada por productoras con magnates blancos pensaron en los beneficios de esta situación y alimento los guiones donde se daba al tópico carácter de verisimilitud. Creando al negro músico de jazz de vida disoluta pero con la música en la sangre, se ensalza el poder atlético y de fuerza de la raza negra, incluso  se otorgan leves concesiones con denuncias a la esclavitud, todo en aras de sacar reditos del cine del aparheid.

Según iban pasando las décadas los logros para desmontar esta situación fue lenta y muy desigual en las diversas zonas de Norteamérica.

Cuando en 1963 se entrego el premio oscar  a Sidney  Poitier, la repercusión fue tanta que algún crítico dijó que lo próximo sería un presidente afroamericano.

El paso a una situación de normalidad que marcaban los tiempos  no fue fácil. La aceptación de años atrás dió paso a una rebeldía en aumento, como queriendo decir: de acuerdo nos habéis apartado pues ahora tomamos las riendas de nuestras producciones y autogestionamos todo el proceso. La tibieza fue vista como una ofensa y se impulso cintas con temática principalmente urbana donde los conflictos de raza eran contestadas con orgullo. Había nacido la Blaxploitation donde la violencia y el funky sustituyeron al soul y  a los edulcorados argumentos de comedias de situación. Se daba respuesta desde la comunidad afroamericana a los retos de la década de los años 60. En el llamado  «Separate  Cinema» desaparecieron los humillantes cines solo para negros. Pero las injusticias raciales que latían en la sociedad se enconaron.

Hasta los años 80 no entraron los primeros negros dentro del star sytem  de Hollywood, pero tampoco por esto se puede decir que las discriminaciones cesaron. En la memoria cinematográfica de cualquier aficionado al cine de toda la historia, hay tan solo apenas media docena de referentes consolidados al citado S. Poitier , el pianista de Casablanca, la criada de lo que el viento se llevo, el sargento negro y de hay superdetective en Hollywood, naturalmente con un innumerables apariciones en papeles secundarios en cientos de cintas.

La irrupción de la televisión aumento esta situación, donde el papel del traficante de drogas negro, se repetia hasta el ridículo, o hasta que los latinos cogieron o compartieron este encasillamiento. En algunos casos los repartos multiculturales eran tan solo reflejo de querer llegar a una población con más acceso al cine de manera mayoritaria y como se había terminado la segregación por salas el negro era tomado por un target comercial.

En ningún caso se reconocia el daño causado por muchos jueces negros que aparezcan en series y películas los últimos veínte años.

Pero quizás esto sea, la historia desde el punto de vista oficial por no decir blanco y por no caer en la creencia que existen dos tipos de cine. Solo existe uno. Pero la industria y la sociedad en general consintió durante décadas que el talento y el acceso a un merecido reconocimiento quedará relegado. O ¿  se creen que los actores que interpretaron a estos personajes citados son los únicos merecedores de la gloria que tantos actores blancos justamente tuvieron? Lo que hacen los colectivos que en la actualidad estudian este apartado de la discriminación racial es mostrar a todo el mundo: primero la alta calidad de muchas de las películas rodadas bajo esta situación y el gran talento  que atesoran muchas de ellas y desde luego reivindicar una injusticia que retroalimentaba  el racismo. Para más información no dejéis de consultar  w.w.w. separatecinema.com .

Las acuarelas de la aventura: dibujando a Corto Maltés.

El libro de memorias de Hugo Pratt tiene el sugerente título de El deseo de ser Inútil. Parecen previsibles los comentarios tales como…. en un mundo avocado al control, a lo técnicamente exhaustivo y donde la pasión está unida y reunida entorno a la aceptación «colectiva» de modelos de éxito. Una de las mayores rebeldías que caben es la de no aportar un gramo de falsa libertad a ese mundo. Es previsible, pero uno constata en nuestros días la autentica vigencia que aquel regocijo en que nos sumía las entregas del Corto Maltés, se ha transformado en algo más grande.

Eso han debido de pensar los arcanos de la inversión artística. Las ultimas cifras en subastas de las pinturas de Pratt están alcanzando a muchos de los precios que se otorgan a reconocidos pintores que cuelgan sus cuadros en circuitos de galerías de primer orden e incluso de  museos de medio mundo. Es el precio que debe tener la inutilidad.

Las pinturas que acompañan toda la obra de Pratt tienen ese deseo de levedad de no querer involucrarse en el fango de batallas triviales (muchos de los tangos que aparecen entorno a las vidas del autor y del inmortal personaje lo dirían mejor), guardando y preservando lo mejor para una aventura continua y desde luego diferente. Corto es aquí donde es dibujado como muchas de la creaciones de Stevenson hubieran existido de haberse adentrado en el siglo XX. Útiles tan solo en buscar tesoros otros tesoros, la misma aventura: la libertad, no su libertad.

Los trazos y el color de las acuarelas, que acompañan los periplos del Corto nos transmiten por si mismas este deseo, que da título al libro de Pratt y nos muestran el espíritu de todo su trabajo.

Antes vivo que perder la muerte. De Haiti a la campiña inglesa.

Mientras que las hordas zombis invaden series televisivas, comics, videojuegos, novelas ….etc…, incorporando ya el personaje- masa,  hecho casi mito, que nos devora la cabeza, y por lo tanto la memoria, parece necesario escapar de su apetito insaciable con un poco de tranquilidad.

Escuchar a expertos que incluso han llevado a los zombis  a cursos universitarios,  con esa erudición académica que te ilustra sin apasionarte, me llevó a dirigirme a una gran parte de esa  audiencia que como yo llenó una gran sala de la facultad, la cual se quedo sin su ración de carne esperando algo más cercano, más preciso y sobretodo más entusiasta. Las reseñas medievales se escapaban  y las explicaciones  filosóficas y sociológicas aunque veraces también se nos escapaban .  Es como si  cualquier tema o asunto tuviese un  prisma intelectual, por expresarlo de alguna  manera , todo parece merecer un ensayo. Quizás sea así, y el mundo zombi no escapa de estos devoradores que hacen de los universitarios con postgrado y los expertos sobrevenidos el mayor de sus depredadores.

Uno que  tiene su corazoncito con todo tipo de estas criaturas no iba a caer en esos tópicos que los convierten en: el monstruo de la  crisis, el no muerto simil del fin de los tiempos y similares. Pero si creo imprescindible  poner unas referencias para los que se acercan al zombi y no huyen despavoridos  de ellos, o peor todavía les convierten en motivo de disección académica.

Las colinas de Haití son el paraje donde se inicio las correrias de los zombis denominados como tales, por cierto en un primer momento se nos muestran como torpes y autómatas seres ( un intelectual diría que esto no es así, pues no tienen ser) bastante lejos de correr, incluso con una alimentación casi limitada a ciertos frutos, pues su simple condición física les limitaba todas sus mermadas funciones. Uno de los primeros en relacionar a la isla caribeña y sus ritos de vudú con el origen del zombi fue William Seabrook autor de La Isla Mágica. Tanto libro como autor son de gran interes, pues fue el mismo el que como periodista se acerco a los cerrados ritos de la religión del vudú incluso participando en ellos.

Como se pude ver en esta ilustración de Alexander King que está en el libro de Seabrook se representa una hilera de cadáveres andantes.

Pero el salto a al cultura popular vinó del mundo del cine y del género de terror que empezaba a surtirse de los grandes clásicos de la literatura, pero que necesitaba nuevas criaturas. Y el Hollywood de los años treinta se fijo en estos primeros libros que hablaban de ritos caribeños y su poder para volver a la vida a los muertos. De esta primera època de los zombis en la gran pantalla destacan: White Zombi de 1932 dirigida por Victor Halperin con Bela Lugosi como principal actor.

Y la mítica cinta de Jacques Tourneau : Yo anduve con un zombi de 1943 haciendo de la serie b de bajo presupuesto un digno camino para que nuestro querida criatura creciera en la imagineria del terror popular.

El cambio de década hizo que los zombis cambiasen la gran pantalla por las publicaciones llamadas pulp. El gusto por el terror de los cincuenta les relego a este formato pues se prefería otra evasión que no tuviese estas presencias tan siniestras. Pero la juventud – teen, que no había ido a la guerra empezó a seguir el paso de nuestros zombis sin importarle ninguna negativa referencia en estas revistas seriadas de factura alternativa y casi marginal, que con el paso del tiempo se convertirían en objeto de coleccionismo.

   Pobre criaturas, en una década de pasear por las haciendas colonialistas del caribe, a deambular por los suburbios de las grandes urbes norteamericanas. El salto al continente también les dota de independencia, si antes según las creencias del vudú  eran controlados y manejados por una mente malévola que permanecía como un dominador diabólico en su nueva revisión adquieren mayor vigor y su dieta cambia hasta hacerse base del terror en sus presas. El vinculo cuasi mágico representado de los años treinta desaparece, cualquier alusión esotérica va perdiéndose a al vez que adquieren velocidad en su caminar y sus nuevos creadores para el cine les dotan de un simbolismo social ( aquí es donde los creadores de ensayos sociológicos antropológicos… se les enciende también el apetito). Estamos en los años 60 con toda su convulsión social, artística y política que todos conocemos. Nuestro zombi se compromete con los tiempos y digamos que se hace más activo.    La cinta que marca esta época es: La noche de los muertos vivientes dede  Georges A. Romero del año 1968. Influenciado por el libro de Richard Matheson Yo soy leyenda, Romero inicia otro aspecto innovador para nuestra querida criatura que es la capacidad de infectar y propagar. Asunto que con el tiempo acabaría en un subgénero vinculado que es el de las  epidemias apocalípticas con el zombi ya dotado de zancadas olímpicas expandiendo a base  de un hambre feroz su terror por el mundo siendo a estas alturas un protagonista-masa perdiendo la singularidad de décadas atrás. Romero continua cultivando el genero pero curiosamente no utiliza el termino zombi        (ponencia de congreso sería las diversas acepciones que desde  este momento se dio a nuestra criatura corretona y hambrienta) El amanecer de los muertos de 1978 está entre las más destacables. Como el remake  de Zack Snyder

La influencia de la nueva visión que se dio al zombi desde Romero influyo casi de forma irreversible hacia una masa voraz y propagadora. En la que se repiten esquemas de supervivencia de matar para no ser infectado.

Los videojuegos y su auge en los últimos quince años recoge esta tendencia hasta hacerla un «killing entertaiment» llevado a las consolas y a los terminales de hoy en día.

La incansable carrera del zombi le hace reinventarse,  hasta alcanzar la supremacía en la iconografía del terror. El cine, la literatura, el comic y la televisión, no hay terreno de la cultura popular que no llene con su enfurecido hambre pero en la saturación está también los resultados más originales desbordada su presencia. Los actuales padres de las criaturas le inventan nuevos destinos e inospechadas vinculaciones.

Y buscando un respiro, ( los universitarios doctos en el tema dirían algo como, una una nuevo reflejo de una sociedad exhausta) se encuentran hasta posibilidades de cura donde hacer un descanso de 90 años corriendo y con el hambre creciendo.

  Y que mejor sitio que la campiña inglesa para darse un respiro y relajarse con el paisaje en un lugar donde la comida nunca fue buena.

MOVIE HANDBILLS IN SPAIN

Aka handbills, heralds, flyers, they were made to advertise the upcoming releases in Spain.
The origin of this collectibles is in the arrival of cinema to Spain, in the early twentieth century, when the prior leaflets to promote circus, bullfighting and theatrical representations, were also adapted for the cinema. Up to 1920, the film screening was a huge event itself, no matter what the movie was, that’s why in the programs there were no images, just the date and place of the projection. These early programs were made in cardboard, wich explains the high value they have nowadays, as they are difficult to find.

In the 20’s, first images appeared, usually movie stills, highlighting the director and the artistic value. They were created by the distributor or the cinema, with aditional information about upcoming releases.

The 1930’s were the golden era of Spanish programs, with a lot of different formats: double, punching programs, etc. Hollywood stars were used to attract the audience, the star-system was born and imposed its rules to promote the films.

During the 40’s, the 9x13cm format becomes the standard, made of paper, not cardboard. This is the format that will be used up to the end of programs, in the early 70’s. Many of them reproduced the poster with a blank space in the back for the cinema to post information.

There were many designers and illustrators, but some are usually highlight for their career and the quality of their job: Josep Renau, Jano, Soligó, Mac and collective MCP.

Los programas de cine en España.

También conocidos como pases de mano, folletos y prospectos, fueron una manera de publicitar las películas que se iban a estrenar en España.

Su origen está en la llegada a España del cine a principios del siglo XX, en esta época de escasa difusión de los medios de comunicación, se utilizaban unos folletos para publicitar representaciones teatrales, circenses y taurinas, que también se emplearon para el cine. En aquel momento, en los folletos se daba gran notoriedad a las propias proyecciones, las cuales eran un gran acontecimiento en si mismo, más allá de la propia película. Los programas informaban sobre el tema de la película, señalando el lugar y la fecha, prescindiendo de imágenes. La calidad del soporte era muy pobre, normalmente cartón, lo que explica el gran valor que estos prospectos de principios de siglo han adquirido con el paso del tiempo.

                                                        imagen : http://antoniomanzanero.blogspot.com.es/

En los años 20, aparecen las primeras imágenes predominando el fotograma sobre la ilustración, destacándose entonces el director y su valor artístico. Los encargados de la realización de estos programas eran las productoras, distribuidoras o las propias salas de cine (que incluían todo tipo de información adicional).

                                                    imagen: pacobaenacine.blogspot.com

En los años 30, con la aparición del cine sonoro, los programas tienen su gran apogeo, resaltando el incipiente star system. El propio mundo del cine impone sus reglas gráficas, publicitarias, se usaba a los actores protagonistas como reclamo para llenar las salas. Es en este momento cuando se multiplican los formatos: dípticos, trípticos, troquelados…

Imagen: prospectosdecine.com

En los años 40 se generaliza el formato de 9×13 cm , se abandona el cartón y se impone el papel. Éste es el formato más utilizado durante las décadas siguientes, hasta la propia desaparición de los folletos a principios de los años 70. Normalmente, se reproduce en una cara el cartel de la película y en la otra se deja el espacio en blanco para que el cine imprima su propia publicidad.

Imagen: cine-programasdemano-penelopegelu.blogspot.com

Muchos son los cartelistas, diseñadores e ilustradores que participaron en la realización de estos programas, entre los que podemos destacar por su trayectoria y la calidad e influencia de su obra a Jano, Soligó, Mac, Josep Renau y grupo MCP.

Imagen: fotos.org

Conoces a… Eden Ahbez?

Existen artistas que con una voluminosa obra, apenas logran una aceptación ni de crítica ni del gran público. El caso que hoy nos ocupa,  posee un muy limitado numero de obras, en su caso composiciones musicales. La más conocida Nature Boy interpretada por los grandes de la época: Nat King Cole, Sinatra, y muchos otros hasta la actualidad.¿ Por qué entonces es hoy en día recuperada la figura de este hombre?. Lo singular de su vida por atipica, ha echo reivindicarle como algo singular como las composiciones que el componía, buscando ese magnetismo esa magia que venia del gran pacifico como una galaxia de misterio. Los sonidos polinesicos que otros recogieron haciendo un mediocre resultado, muy del gusto de la sociedad  norteamericana de los años 50. E. Ahbez sin embargo, que nunca había estado  en ninguna isla paradisica, extrajo la esencia de ese eden y además de llevarlo a sus composiciones  lo llevo a su propia vida en la agitada vida de la california de los años 60. No participo en la vida de lujo y aceptación de crooners y cantantes melodicos pero tampoco entro por la ebullición rock del momento. Con un inegable talento se aparto y sin haber pisado en su vida ningun archipielago de postal estuvo y vivio alli. Es por esto la importancia que hoy se le otorga, la del poder de evocación mediante la música, una evocacion que te evade y te mece al son de una orilla lejana que hace cercana y reconocible.

 

 

Conoce ahora a… Pilar Pedraza

 

Dentro del llamado género fantástico son pocos los que sobresalen de este ámbito, por la propia calidad literaria o por la marginalidad que para el gran público poseen mucho de estos escritos. Y si a esto añadimos que se trata de una autora y española, la dificultad para transcender a un mundillo efervescente pero muy reconcentrado, el merito no es poco.

Pilar Pedraza ( Toledo 1951),  tiene labrada una solida formación academica y literaria. Sus obras fantásticas se desarrollan principalmente entorno a planteamientos de confrontación con presencias oscuras y sobrenaturales.  El conocimiento que tiene del mundo clásico se hace notar en sus más de treinta años como escritora. Además ha ido logrando, eso que muchos anhelan el conseguir: un estilo reconocible y original. La presencia femenina y una temática combativa desde terrenos no habituales, la hacen aún más especial y atractiva.
En estos días se está promocionando su obra, «Lucifer Circus» en la editorial Valdemar pero es buen momento para conocer cualquiera de sus relatos anteriores. Nosotros destacamos: «Brujas  Sapos y Aquelarres», «Venus barbuda y el eslabón perdido» o cualquier volumen donde se recopilan sus relatos cortos.

Descubre a Pilar Pedraza y su obra.

Cinema & Surf

 

Los ejemplos de deporte y cine no suelen ser muy acertados. Desde el punto de vista de calidad pocas son dignas de recordar, quizás alguna donde el esfuerzo y cierta visión de una época logran un aceptable resultado: Carros de fuego, Victor o Victoria y algún ejemplo más pero sin llegar a generalizarse.

Sports and movies don’t get on well together. Talking’ bout quality, there are not many films to remember, maybe Chariots of Fire, Victor or Victoria…

Sin embargo la serie b, tan desprejuiciada y sin la pretensión de la calidad, ofrece cintas hilarantes. Entorno a la disciplina del surf se dan casos donde el humor, la música e incluso la ciencia ficción se mezclan, obteniendo con una serie de peliculas que de puro esperpento resultan exóticamente atractivas. He aqui unos ejemplos :

However, the B-series with no pretense of quality, offers hilarious tapes. Focusing on Surf, we can find a bunch of films where music, humour and even sci-fi are all mixed up, so weird that we find’em pretty exotic and atractive. Here there are some examples:

Bikini Beach de 1964  dirigida por William Asher e interpretada por Frankie Avalon, Anette Funicello y  Martha Hyer.

Bikini Beach (1964) directed by Willliam Asher, with Frankie Avalon,m Anette Funicello and Martha Hyer.

Pajama Party de 1965, dirigida por Dom Weis  e interpretada con la fija en  las peliculas del género playero en la decada delos años 60, Anette Funicello pero con estrellas del calibre de Buster Keaton Dorothy Lamour o Elsa Lanchester.

Pajama Party (1965), directed by Dom Weis with Anette Funicello (a 60’s beach movies star), and Buster Keaton, Dorotht Lamour and Elsa Lanchester.

 

Horror of Party del año 1964 es otro ejemplo, dirigida por Del Tenney con John Scott, Allice Lyon.

Horror of Party (1964) directed by Del Tenney, with Jogn Scott and Allice Lyon.

O la más actual e hilarante: Psycho Beach Party, dirigida por Robert Lee King. realizada en el año 2000 pero ambientada en los años 60.

Or Psycho Beach Party, directed by Robert Lee King in 2000.

Existen muchas peliculas donde el surf, es el marco en el que se desarrollan argumentos más o menos dramáticos, en ocasiones acompañados de planteamientos de indole romántico pero las cintas de bajo presupuesto poseen un atractivo que peliculas como «El gran miercoles» o «Le llamaban Bodhi» o tantas otras no tienen, parece como si fueran de otro género.